변주와 자립: 현대 일본 화가들의 판화

Description

2023.06.29 ▶ 2023.07.30

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    전시 포스터

• Press Release

  1970년대 일본의 젊은 예술가들은 판화 표현의 다양한 가능성을 깨닫고 적극적으로 판화를 제작하며 현대미술의 표현 영역을 확장하였다. 제2차 세계대전 이후 일본 현대 판화사의 중심축을 형성한 것은 판화를 전문으로 하거나 판화를 중심으로 창작 활동을 하는 판화가들(artisans)이었다. 유럽이나 미국이 현대미술의 흐름을 주도한 예술가들을 중심으로 판화사를 형성해온 것과 비교하면 일본의 경우는 세계적으로 특수한 사례라 할 수 있다. 이러한 역사적 상황을 바탕으로 이번 전시는 일본 현대미술계에서 활동하는 예술가들의 판화 작업으로 구성되었다. 여기에는 두 가지 이유가 있다. 첫째, 일본 현대 판화가 탄생한 또 하나의 지평이 있음을 밝히기 위해서이다. 예술가들이 제작한 판화는 회화적 표현의 변주를 보여주면서도 판화 장르에서만 구현되는 독자적인 표현 형식을 드러낸다는 점에서 가치를 지닌다. 둘째, 일본의 현대 판화사를 되짚어보고자 함이다. 전후 70년이 지난 오늘날 판화는 세계 현대미술의 흐름에서 소외되어 가고 있으며, 나아가 판화 장르가 해체되었다고 보는 입장도 존재한다. 따라서 역사를 비평적 시각으로 되돌아보는 작업에 착수함으로써 판화의 가치를 재고할 필요가 있다.

  그렇다면 왜 일본에서는 순수 예술가가 아닌 판화가에 의한 현대 판화사가 생겨났을까? 그 이유는 1900년대에 등장하여 큰 흐름을 형성한 ‘창작판화’에서 찾을 수 있다. ‘창작판화’란 인쇄물과 같은 석판화나 복제 목판화가 대량 생산되던 시대에 순수한 작품의 가치를 지닌 오리지널 판화 제작을 주장한 근대 일본 조형표현의 한 분야이다. 1910년대 ‘스스로 그리고, 스스로 새기로, 스스로 인쇄하는’ 제작 방식을 표방한 창작 판화 운동이 고조됨에 따라 판화가의 수가 급증해 역사 형성의 맥락이 만들어졌다. 그러나 서양처럼 숙련된 장인이 상주하는 인쇄 공방의 설립이 순조롭게 진행되지 않았기 때문에, 화가나 조각가가 기술적 수련을 필요로 하는 판화 제작에 나서기는 매우 어려운 상황이었다. 하지만 유럽에서 직접 제작 현장을 지켜봐 온 화가들 중 일부가 동판화와 석판화를 제작했고, 1950년대에는 석판화를 제작하는 화가가 늘면서 팽트르 그라뵈르(peintre graveur, 원화를 직접 그리는 창작판화가)의 활동이 주목받았다. 1960년대로 접어들면서 판화에 대한 기대가 높아지고 인쇄 공방이 하나 둘 생겨나자, 작가들이 인쇄 장인과 함께 판화를 제작하는 환경이 점차 보편화되었다. 70년대 이후에는 판화의 시장가치가 높아짐에 따라 더 많은 아티스트들이 다양한 종류의 판화를 제작하며 판화계의 활성화에 많은 기여를 했다.

  이번 전시 출품 작가 10명은 모두 순수회화 영역에서 작업하는 현대미술 작가들이다. 현대미술 작가의 판화는 회화의 변주인 동시에 판화로만 온전히 실현될 수 있는 예술작품이기도 하다. 이들의 판화는 일본 현대 판화에 대한 진정한 이해로 이어지는 통로가 될 것이다.

  —다카자와 쿄지(마치다 시립국제판화미술관 큐레이터)

  Sensing the diverse potential of the print medium, in the 1970s, young Japanese artists began making prints, and in so doing, expanded the expressive range of contemporary art as a whole. Though certain aspects of this development have certainly been acknowledged, it was mainly artists who did specialized in or concentrated on prints that served as pivotal figures in post-World War II, contemporary Japanese print-making. In Europe and America, artists who were responsible for trends in contemporary art made printmaking history. But the evolution Japanese printmaking seems to be a singular development in the world. This exhibition is not made up of works by artists who are considered to have created a unique or specific development in contemporary Japanese printmaking history, but rather on those by artists who tend to be seen as support players in this process. There are two reasons for this focus. First, the exhibition is designed to shed light on the fact that a new field was developed through contemporary Japanese prints. This field, prints made by painters, is notable both as a variation on painting and an autonomous form. Thus, the works helped establish the genre of contemporary Japanese prints while imbuing it with a suitable breadth. Second, the exhibition is intended to encourage viewers to reconsider the existing history of contemporary Japanese prints. Today, 70 years after World War II, at a point when prints are on the verge of being forgotten as a trend in contemporary art, there is a need, both in Japan and abroad, to reconsider history from a variety of critical perspectives without overlooking the subject of dissolution.

  How did Japan come to have such a rich history of contemporary printmaking, a history built by so many artists that specialize in the genre and often seen as unique in the world? One factor can be found in the historical trends and conceptual evolution that gave rise to the sosaku hanga (“creative prints”) movement in the early 20th century. This early-modern Japanese art movement arose during an era when the market was flooded with lithographs of minimal artistic value and woodblock prints that merely duplicated original pictures for the purpose of mass production, and it represented a counter-reaction by artists pursuing printmaking as a pure art form and aiming to produce truly original works. The sosaku hanga movement strongly espoused the credo of “draw it yourself, carve it yourself, print it yourself,” upholding the ideal of a single printmaker carrying out every stage of the printmaking process. However, this process was a radical departure from the prevailing system, and printing workshops manned by highly skilled artisans like those in the West had not been widely established. This made it difficult for painters and sculptors to dive headlong into the production of prints, which requires considerable technical skill. The history of modern printmaking in Japan inevitably came to be forged by specialist printmakers who dedicated themselves to the medium. However, this does not mean that oil painters were not ambitiously engaged in printmaking from the prewar era onward. Some Japanese painters, who had visited printmaking workshops in France, Italy, and Germany, produced copperplate prints and lithographs at technical training sessions or in the workshops of acquaintances. After World War II, in the 1950s, a growing number of painters worked in lithography under the guidance of Kanzaemon Onaya, a lithography artisan who had become a creative artist in the medium, and the emergence of the peintre-graveur (painter who is also a printmaker) in Japan was a noted phenomenon. Later, in the 1960s, printmaking rose to greater prominence and printing workshops were opened here and there, creating an environment in which it was normal for artists who were not printmaking specialists, from established painters and sculptors to emerging artists of the avant-garde, to work with printers on production of their own prints. From the 1970s onward, as the market value of prints rose, an even greater number of artists turned their hands to prints in a wide range of styles and media, strongly propelling the world of printmaking forward.

  Without a doubt, the prints of the artists featured in this exhibition constitute variations on the medium of painting, yet at the same time they stand alone as works of art that could only be realized through printmaking. Viewing the works of these peintre-graveurs leads us to a genuine understanding of contemporary printmaking in Japan.

  Kyoji Takizawa

  Curator, Machida City Museum of Graphic Arts

  전시제목변주와 자립: 현대 일본 화가들의 판화

  전시기간2023.06.29(목) - 2023.07.30(일)

  참여작가
  변주와 자립: 현대 일본 화가들의 판화

  관람시간10:00am - 06:00pm
  * 입장 마감 오후 5시 30분
  *도슨트 / 금~일요일 03:00pm

  휴관일매주 월요일 휴관

  장르회화

  관람료일반(만 18~64세) 5,000원
  단체, 만 65세 이상, 장애인, 국가유공자, 예술인패스 4,000원
  초등생 이하, ICOM 무료

  장소성곡미술관 Sungkok Art Museum (서울 종로구 경희궁길 42 (신문로2가, 성곡미술관) 성곡미술관 2관)

  주최성곡미술관

  후원한국문화예술위원회

  연락처02.737.7650

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